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一个镜头可以在银幕上停留任意长的时间，这产生了剪辑的速度（editing pace）或者节奏（rhythm）。因为剪辑的速度是相对的，我们应注意一部电影或电影片段是为什么以及如何根据某种节奏来剪辑的。在我们预期里，一个追逐的场景会使用快速剪辑（用大量的快速剪辑和短镜头），但是，为了让我们自己诙谐地意识到这种预期，该场景可以用非常缓慢的节奏及长镜头来剪辑。作为练习，观察任意一部电影里一个画面在银幕上停留了多久，并思考导演为何在某一时刻切到了另一个角度和画面。导演是否使用了长镜头（long takes）让某一场景或者物体的镜头延续了很长的时间？（比如，马利克在《细细的红线》（The Thin Red Line，1999）中，有个画面长时间停留在草地或树枝上。）或者是影片快速地从一个画面切换到另一个画面？如《终结者》（Terminator，1984）里的追逐镜头。剪辑的速度是否随着场景在变化？例如，在拍摄街景时，使用快速的剪辑，而在拍摄内影时，使用了慢节奏的长镜头。
广义地说，剪辑指的是镜头如何构建电影中较长的段落和意义。一系列的镜头可以仔细地连接成一个单一的场景，这样的场景通常有固定的时空。例如，在简·坎皮恩（Jane Campion）的《钢琴课》（The Piano，1993）里，埃达（Ada）到达19世纪新西兰一个遥远的海岸的场景，或者是在《战舰波将金号》里军官检查腐肉的场景。后者以甲板上一群愤怒的水手聚集在一块腐肉周围开始，船上的军医检查肉的镜头用了特写，接着宣布肉上的是死苍蝇，这个场景以另一个军官驱散聚集的水手结束。
当这些镜头描述更多的情节、更多的时间和更多的地点时，镜头及其组成场景常常被称为片段（sequence）。在《钢琴课》里，当埃达被接待并穿越丛林到达她未来的家时，关于海岸的场景便成了整个片段的一部分；在《战舰波将金号》里，描绘水手高涨的不满情绪的场景是导致他们反抗的整个片段的一部分。作为前面练习的一部分，看看你是否可以注意到，影片中的镜头如何利用剪辑来创造一个场景或者片段。
我们很少会有意识地注意剪辑，因为我们习惯和享受古典电影中的连贯性剪辑（continuity editing）。这种剪辑风格可称为流畅的剪辑（invisible editing）, 因为导演不希望观众因剪辑而分散了注意力，因此会避免两个画面间非常明显的的剪接或转换。通过不同的方式，导演努力隐藏剪辑的痕迹，因此，我们会将画面视为连贯的图画。即使《马耳他之鹰》（The Maltese Falcon，1930）是一部技术高超的风格化剪辑的电影——山姆·斯佩德（Sam Spade）进入房间并巧妙地注意到房间中的每一处细节——我们仍然视其为连贯的动作，这个时候，突如其来的剪辑是不适宜的。
但是，连贯性剪辑需要依赖高度娴熟的剪辑技巧，分析这些技巧，可以揭示人物和故事的重点。例如，定 位镜头（establishing shots）是在将某一个片段划分为更加详尽的镜头前，先以清楚标明其所在位置来开始该场景或片段的镜头。《卡萨布兰卡》（Casablanca，1942）以一系列的定 位镜头来开场，这些镜头描绘了地图上的城市，市内的居民，后，还有里克（Rick）酒店的外观。直到那时，电影才真正进入了故事的主题，开始讲述里克的故事。正/反打镜头（shot/reverse shot，or shot/counter shot）模式是另一种基本的连贯性剪辑的一部分。使用这种技巧，两个人物之间（或者人和物之间）的交替通过从一个说话或注视某物的人身上，切至听话或被注视之物上来完成，从而变得自然和有逻辑性。例如，一个镜头里鲍嘉问了伯格曼一个问题，接着是她回应的画面。在分析一部连贯性剪辑的电影时，一个作者可以从思考技巧的基本使用目的开始，如现实主义一样。
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